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Perse et art persan au Louvre

Perse et art persan au Louvre



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Art persan au musée du Louvre, Paris, France. Il y a des œuvres d'art du palais royal de Suse des Achéménides, l'empire perse fondé par Cyrus le Grand (m. 530 avant notre ère).

Le roi Darius le Grand (r. 522-486 avant notre ère), a construit une de ses résidences à Suse, où ces
des morceaux ont été prélevés. Sont également présentées des œuvres d'art de l'époque de l'empire sassanide, et
de Bishapur (près de Kazerun moderne) et d'autres endroits en Iran.

Et enfin, il existe des exemples d'art persan-islamique d'après les invasions arabes de la Perse en 651 CE.

Remarque : les 2 premières diapositives du spectacle sont des œuvres d'art grec.


Peinture Miniature Persane

UNE Miniature persane est un richement détaillé peinture miniature qui dépeint des thèmes religieux ou mythologiques de la région du Moyen-Orient maintenant connue sous le nom d'Iran. L'art de peinture miniature en Perse a prospéré du 13e au 16e siècles, et continue à ce jour, avec plusieurs artistes contemporains produisant de remarquables miniatures persanes. Ces peintures délicates et luxuriantes sont généralement visuellement époustouflantes, avec un niveau de détail qui ne peut être atteint qu'avec une main très fine et un pinceau extrêmement petit. Miniature persane est une petite peinture, qu'il s'agisse d'une illustration de livre ou d'une œuvre d'art distincte destinée à être conservée dans un album de telles œuvres. Les techniques sont largement comparables aux traditions occidentales et byzantines de miniatures dans les manuscrits enluminés, qui ont probablement eu une influence sur les origines de la tradition persane.

Bien qu'il existe une tradition persane de peinture murale tout aussi bien établie, le taux de survie et l'état de conservation des miniatures c'est mieux, et miniatures sont de loin la forme la plus connue de la peinture persane en Occident.

Plusieurs fonctionnalités sur miniatures persanes ressortir. Le premier est la taille et le niveau de détail. Beaucoup de ces peintures sont assez petites, mais elles présentent des scènes riches et complexes qui peuvent occuper un spectateur pendant des heures. Classiquement, un Miniature persane présente également des accents en feuille d'or et d'argent, ainsi qu'une gamme de couleurs très vives. La perspective dans un Miniature persane a également tendance à être très intrigant, avec des éléments superposés d'une manière qui semble parfois gênante pour les personnes habituées à l'aspect et à la convivialité de l'art occidental.

Initialement, miniatures persanes ont été commandés comme illustrations de livres pour les manuscrits enluminés persans. Seuls les plus riches des mécènes pouvaient s'offrir ces illustrations, avec quelques miniatures persanes prendre jusqu'à un an pour terminer. Finalement, les gens ont également commencé à collectionner ces œuvres d'art par eux-mêmes, en les liant dans des livres séparés. Beaucoup de ces collections survivent heureusement à ce jour, ainsi que d'autres exemples d'art persan tels que les célèbres tapis à poils d'Iran.

Les Miniature persane a probablement été inspiré par l'art chinois, étant donné les thèmes très chinois qui apparaissent dans certains des premiers exemples de miniatures persanes. Beaucoup de créatures mythologiques représentées dans l'art persan primitif, par exemple, ont une ressemblance frappante avec les animaux du mythe chinois. Au fil du temps, cependant, les artistes persans ont développé leur propre style et thèmes, et le concept de la Miniature persane a été récupéré par les régions voisines.

De nombreux musées d'art asiatique ont miniatures persanes dans leurs collections, et il vaut la peine de visiter pour voir des exemples de cette forme d'art distinctive en personne. miniatures persanes méritent également toute l'attention plus on regarde un Miniature persane, plus les détails et les thèmes émergent. L'étude d'un seul miniature peut prendre une journée entière, à mesure que de plus en plus de détails se dévoilent, et de nombreux musées ont commodément des guides détaillés sur les figures et les thèmes de leur miniatures persanes afin que les visiteurs puissent en savoir plus sur ce qu'ils voient. Peinture miniature est devenu une forme persane importante au 13ème siècle, et le point culminant de la tradition a été atteint aux 15ème et 16ème siècles. La tradition s'est poursuivie, sous une certaine influence occidentale. Les Miniature persane était l'influence dominante sur les autres miniature traditions, principalement ottomanes miniature en Turquie, et le Mogol miniature dans le sous-continent indien. Bien qu'à divers stades, il ait été affecté par les influences chinoises et orientales, Miniature persane l'art a développé ses propres traits distinctifs. Les artistes miniatures iraniens sont reconnaissables pour leur accent sur les motifs naturels et réalistes. Il convient également de noter la technique persane consistant à « superposer » les perspectives pour créer une sensation d'espace. Par exemple, dans le miniature pièce à droite, la variété des vues est perceptible dans la disposition des objets : les oiseaux habitent à la fois le premier plan et l'arrière-plan de la pièce, avec les objets floraux placés entre les deux. Cela donne au spectateur un sentiment d'espace tridimensionnel et la capacité de se concentrer sur certains aspects de la pièce à l'exclusion des autres.

Le contenu et la forme sont des éléments fondamentaux de Peinture miniature persane, et miniature les artistes sont réputés pour leur utilisation modeste et subtile de la couleur. Les thèmes de Miniature persane sont principalement liés à la mythologie et à la poésie persanes. Les artistes occidentaux ont découvert le Miniature persane vers le début du 20e siècle. miniatures persanes utilise une géométrie pure et une palette vive. L'attrait de Peinture miniature persane réside dans ses complexités absorbantes et dans la manière surprenante dont il pose de grandes questions sur la nature de l'art et la perception de ses chefs-d'œuvre.

L'histoire de l'art de la peinture en Iran, remonte à l'âge des cavernes. Dans les grottes de la province du Lorestan, des images peintes d'animaux et de scènes de chasse ont été découvertes. Les peintures découvertes par W. Semner, sur les murs des immeubles, dans les hauteurs de Mallyan, dans le Fars, datent d'il y a 5 000 ans. Des peintures découvertes sur des faïences au Lorestan, et d'autres sites archéologiques, prouvent que les artistes de cette région étaient familiers avec l'art de la peinture. Également de l'ère ashkanide, peu de peintures murales, la plupart découvertes dans les parties nord de la rivière Forat, ont été découvertes. L'une de ces peintures représente une scène de chasse. La position des cavaliers et des animaux, et le style de cette œuvre nous rappellent la Miniatures iraniennes. Dans les peintures de l'époque achéménide, le travail de profil était préféré par les artistes. La proportion et la beauté des couleurs de cette époque sont remarquables. Les couleurs sont sans nuances et ont le même ton. Dans certains cas, des rayures noires limitaient les surfaces colorées. Les peintures de « Torfan », découvertes dans le désert de « Gall », région située dans la province du Turkestan en Chine, datent de 840 à 860 après JC.

Ces peintures murales présentent des scènes et des portraits iraniens. Des images de branches d'arbres existent également dans ces peintures. Les peintures les plus anciennes de la période islamique sont assez rares et ont été créées dans la première moitié du XIIIe siècle. La Chine, peut-être depuis le 7ème siècle, en tant que centre artistique, a été l'incitation la plus importante pour l'art de la peinture en Iran. Depuis, une relation s'est établie entre les peintres bouddhistes chinois et les artistes iraniens. Du point de vue historique, l'évolution la plus importante de l'art iranien a été l'adoption de dessins et de couleurs chinois qui ont été mélangés à la conception spécifique des artistes iraniens. Aux premiers siècles, après l'émergence de l'islam, les artistes iraniens ont commencé à orner les livres. La préface et les marges des livres étaient ornées. Ces conceptions ont été transmises aux siècles suivants, avec des principes et des règles précis, ce qui est connu sous le nom de « l'art de l'illumination ». Les peintures du début de la période islamique avaient la réputation d'appartenir à l'école de Bagdad. Miniatures de l'école de Bagdad ont totalement perdu le style et les méthodes des peintures habituelles de la période préislamique.

Ces peintures primitives et innovantes ne possèdent pas le stress artistique nécessaire. Les miniatures de l'école de Bagdad ne sont pas proportionnelles. Les portraits montrent la race « Sami » et des couleurs claires sont utilisées. Les artistes de l'école de Bagdad, après des années de stagnation, étaient avides de créer et d'innover. Les points de vue particuliers de cette école consistent à dessiner des animaux et à illustrer des histoires.

Bien que l'école de Bagdad, considérant l'art préislamique, soit dans une certaine mesure superficielle et primitive, mais l'art de Miniature iranienne, à la même époque, s'est répandu dans toutes les régions où l'Islam s'est propagé : Extrême-Orient, Afrique et Europe. Parmi les livres illustrés dans le style de Bagdad, on peut citer « Kelileh et Demneh ». Les images sont peintes plus grandes que la normale et ne sont pas proportionnelles. Seules quelques couleurs sont utilisées dans ces peintures. La plupart des livres manuscrits du XIIIe siècle sont enrichis d'images d'animaux, de végétaux et d'illustrations de fables et d'histoires.

Un exemple des plus anciens Miniature iranienne sont les dessins d'un livre intitulé "Manafe-alHayvan" (1299 après JC). Ce livre décrit les caractéristiques des animaux. L'histoire naturelle est mélangée et racontée à travers les anciennes fables de ce livre. Les divers sujets de ce livre, nécessitent de nombreuses images qui sont si importantes pour familiariser le lecteur avec l'art iranien de la peinture. Les couleurs sont vives et s'inspirent de l'ancien style de l'école de Bagdad. Après l'invasion des Mogols, une nouvelle école est apparue en Iran. Cette école était totalement sous l'influence du style chinois et moghol. Ces peintures sont toutes minutieuses, sèches, immobiles et pures, à la chinoise.

Les empereurs moghols, après l'invasion de l'Iran, ont été impressionnés par l'art iranien et ont encouragé les peintres, initiant les anciens rois d'Iran. Parmi les caractéristiques de l'art iranien que l'on peut également observer dans les peintures de style moghol, on peut énumérer, les subtilités, les compositions décoratives, et les fines lignes courtes. Le style des peintures iraniennes est linéaire et non dimensionnel. Les artistes dans ce domaine ont fait preuve d'une créativité et d'une authenticité particulières.

Les artistes de la cour royale moghole ont honoré non seulement les techniques mais aussi les thèmes iraniens. Une partie de leur travail consistait à illustrer des chefs-d'œuvre littéraires iraniens tels que «Le Shahnameh" de Ferdowsi. Contrairement aux écoles de Bagdad et Mogul, il reste d'autres œuvres de l'école Harat. Les fondateurs du style de peinture appelé l'école Harat, étaient les ancêtres de Teimoor, et l'école a été nommée d'après le lieu où elle a été fondée.

Les experts en art pensent qu'à l'époque de Teimoor, l'art de la peinture en Iran avait atteint son paroxysme. Au cours de cette période, des maîtres exceptionnels, tels que Kamal-ul-Din Behzad, ont apporté une nouvelle touche à la peinture iranienne. Kamāl ud-Dīn Behzād Herawī, également connu sous le nom de Kamal al-din Bihzad ou Kamaleddin Behzad (c. 1450 - c. 1535) était un peintre de miniatures persanes et chef des ateliers royaux à Herat et Tabriz à la fin de la période timouride et au début de la période safavide. Behzad est le plus célèbre des peintres miniatures persans, bien qu'il soit plus précisément compris comme le directeur d'un atelier (ou kitabkhāna) produisant des enluminures manuscrites dans un style qu'il a conçu. La peinture persane de l'époque utilise fréquemment un arrangement d'éléments architecturaux géométriques comme contexte structurel ou compositionnel dans lequel les figures sont disposées. Behzad est également habile avec les zones organiques du paysage, mais là où il utilise le style géométrique traditionnel, Behzad étend ce dispositif de composition de plusieurs manières. La première est qu'il utilise souvent des zones vides ouvertes et sans motif autour desquelles l'action se déplace. Il associe également ses compositions à une maîtrise du déplacement de l'œil de l'observateur autour du plan de l'image dans un flux organique décalé. Les gestes des personnages et des objets ne sont pas seulement uniquement naturels, expressifs et actifs, ils sont organisés pour continuer à déplacer l'œil dans tout le plan de l'image. Il utilise la valeur (contraste sombre-lumière) avec plus d'emphase et d'habileté que les autres miniaturistes médiévaux. Une autre qualité commune à son travail est le caractère ludique de la narration : l'œil presque caché et le visage partiel de Bahram alors qu'il regarde par les stores pour regarder les filles s'ébattre dans la piscine ci-dessous, la chèvre debout qui ressemble à un démon au bord de l'horizon dans l'histoire d'une vieille femme confrontée aux péchés de Sanjar, l'étonnante variété cosmopolite d'humains travaillant sur le mur dans l'exemple d'image. Cette surprenante individualité du personnage et cette créativité narrative sont quelques-unes des qualités qui distinguent les œuvres de Bezhad et qui correspondent à leur intention littéraire. Behzad utilise également le symbolisme soufi et la couleur symbolique pour transmettre un sens. Il a introduit un plus grand naturalisme dans la peinture persane, en particulier dans la représentation de figures plus individualisées et l'utilisation de gestes et d'expressions réalistes.

Les œuvres les plus célèbres de Behzad incluent "La séduction de Yusuf" du Bustan de Sa'di de 1488 et des peintures du manuscrit Nizami de la British Library de 1494-95 - en particulier des scènes de Layla et Majnun et du Haft Paykar. L'attribution de peintures spécifiques à Behzad lui-même est souvent problématique (et, selon de nombreux universitaires, sans importance), mais la majorité des œuvres qui lui sont communément attribuées datent de 1488 à 1495. Il est également mentionné dans le célèbre roman d'Orhan Pamuk "Mon nom est rouge" comme l'un des plus grands Peintres miniatures persans. Dans le roman de Pamuk, il est dit que Kamal al-Din Behzad s'est aveuglé avec une aiguille.

Behzad est né, a vécu et a travaillé à Herat (aujourd'hui en Afghanistan) sous les Timourides, et plus tard à Tabriz sous la dynastie safavide. Orphelin, il a été élevé par l'éminent peintre Mirak Naqqash, et était un protégé de Mir Ali Shir Nava'i. Ses principaux mécènes à Herat étaient le sultan timuride Husayn Bayqarah (gouverné de 1469 à 1506) et d'autres émirs de son entourage. Après la chute des Timourides, il a été employé par Shah Ismail I Safavi à Tabriz, où, en tant que directeur de l'atelier royal, il a eu un impact décisif sur le développement de la peinture safavide ultérieure. Behzad est mort en 1535 et sa tombe est située à Tabriz, Tombe 2-Kamal. Une statue de Behzad est placée dans la tombe 2-Kamal.

A l'époque safavide, le centre artistique a été déplacé à Tabriz. Quelques artistes se sont également installés à Qazvin. Cependant, l'école de peinture safavide a été établie à Ispahan. Les miniature de l'Iran, à l'époque d'Ispahan de l'ère safavide, s'est détaché de l'influence des Chinois et s'est engagé sur une nouvelle route. Les peintres étaient alors plus enclins au naturalisme. Agha Reza Reza-e Abbasi (également Reza Abbasi) (1565 - 1635) était le plus célèbre miniaturiste persan, peintre et calligraphe de l'école d'Ispahan, qui a prospéré pendant la période safavide sous le patronage de Shah Abbas I. Reza Abbassi, a fondé le « École de peinture safavide ». L'art du design à l'époque safavide a subi une brillante transformation. Il est considéré comme l'un des plus grands artistes persans de tous les temps. Il a reçu sa formation dans l'atelier de son père, Ali Asghar, et a été reçu dans l'atelier de Shah Abbas I à un jeune âge. À l'âge d'environ 38 ans, il reçut le titre honorifique d'Abbasi de son patron, mais quitta bientôt l'emploi du Shah, cherchant apparemment une plus grande liberté de s'associer avec des gens simples. En 1610, il retourna à la cour et resta au service du Shah jusqu'à sa mort. Sa spécialité était la Miniature persane, avec une préférence pour les sujets naturalistes souvent représentés de manière efféminée et impressionniste, un style qui devint populaire à la fin de la cour safavide. Beaucoup de ses œuvres représentent de beaux jeunes, souvent dans le rôle de saqi, ou « verseur de vin », qui sont parfois au centre du regard admiratif d'un homme plus âgé et, selon Louis Crompton, une manifestation de la tradition persane consistant à « apprécier beauté masculine jeune » (2003, p.171). Aujourd'hui, ses œuvres se trouvent dans le musée qui porte son nom à Téhéran, ainsi que dans de nombreux grands musées occidentaux, tels que le Smithsonian, le Louvre et le Metropolitan Museum of Art.

Miniatures créés sous l'école safavide, n'étaient pas exclusivement destinés à orner et à illustrer des livres. Le style safavide est de forme plus douce que ceux de l'école teimoorienne, spécialement le mongol. Les images humaines et leur comportement ne sont pas vains et artificiels, au contraire calmes naturels, et proches de la réalité. Dans les peintures safavides, la splendeur et la grandeur de cette période est l'attraction principale. Les thèmes des peintures concernent la vie à la cour royale, les nobles, les beaux palais, la bonté agréable, les scènes de batailles et de banquets. Les humains sont dessinés dans des vêtements somptueux, de beaux visages et des statues élégantes aux couleurs éclatantes. Les artistes accordaient plus d'attention aux généralités et évitaient les détails inutiles, tels qu'utilisés dans les styles Harat et Tabriz. La douceur des lignes, l'expression rapide des sentiments et la condensation des sujets sont les caractéristiques du style de peinture safavide. Depuis la fin de l'ère safavide, la perspective et l'ombrage, résultat du style européen, sont apparus dans les peintures iraniennes. Les peintures de l'ère Qajar sont une combinaison des arts européens classiques et safavides miniature technique. Au cours de cette période, Mohammad Gaffari Kamal-ul-Molk a fait avancer le style classique européen de la peinture en Iran. Sous les qajars, une sorte de peinture connue sous le nom de peinture « Maison de thé » a trouvé sa place. Ce genre de peinture est un phénomène nouveau dans l'histoire de l'art iranien.
Le grand maître miniaturiste iranien, Hossein Behzad le fils du dessinateur de porte-plume, Mirza Lotfollah Esfahani est né à Téhéran en 1894. Il s'est beaucoup intéressé à la peinture dès sa petite enfance, et son père l'a confié aux soins de Molla Ali à Madjma -os-Sanayeh, le Centre d'Art à gagner peinture miniature compétences. Behzad a dit un jour qu'un sentiment inconnu et obscur m'a attiré vers la peinture, et quand je prenais un crayon ou un stylo suite à ce sentiment, je me sentais comme un homme assoiffé qui atteint une source limpide et rafraîchissante. Il ne fallut pas longtemps avant que son père et son entraîneur meurent de l'attaque du choléra. La période dure et tragique de la vie de cet enfant sensible et talentueux a commencé depuis cette époque. Maintenant, Hossein devient l'apprenti de Hossein Peikar-Negar qui était autrefois l'apprenti de Molla Ali. Behzad a travaillé pour lui pendant douze ans, développant son expérience tout en gagnant sa vie. Il a finalement quitté Peikar-Negar à l'âge de 18 ans et a ouvert son propre atelier à Haji-Rahim Khan Caraavansarai près de Sabzeh Maidan. Au début, Behzad a suivi le style de maîtres anciens comme Kamaleddin Behzad et Reza Abbassi.Ses œuvres étaient si habiles qu'on ne pouvait pas faire la différence entre ses œuvres et celles des maîtres anciens. Il s'est marié avec Azizeh Khanam en 1921, qui a donné naissance à leur unique enfant, Parviz.

Behzad part pour la France en 1934, séjourne à Paris pendant treize mois au cours desquels il étudie divers styles de peinture orientale et occidentale dans les musées du Louvre, Guimet et Versailles. Le résultat de ce voyage fut l'invention d'un nouveau style dans art miniature par Behzad. Il déclare à propos de ce voyage que mon talent a germé et que je prends conscience de ma capacité, mes doigts ont atteint une nouvelle sensation et passion. Après son retour de Paris, Behzad a cessé d'imiter les œuvres de maîtres anciens, tout en poursuivant la miniature des principes.

Mon étude dans divers iraniens et étrangers miniature styles visant à créer un nouveau style iranien conforme à l'art moderne. Peinture miniature qui avait été tourné vers un art indésirable et inconvenant, disparaissait peu à peu et j'ai essayé d'apporter un nouveau style pour lui éviter de tomber dans l'oubli.


MUSÉE DU LOUVRE ii. L'ART PERSAN DANS LA COLLECTION ISLAMIQUE

En 1893, une section consacrée à « l'art musulman » est créée au sein du Département des objets d'art, et dès l'origine les objets de Perse constituent la partie la plus importante de cette collection. Quelques pièces d'art islamique persan appartenaient aux collections avant les années 1880 lorsque Emile Molinier était conservateur, avant Gaston Migeon (1861-1930) et l'introduction et la présentation d'acquisitions importantes dans la collection. Au moins une pièce, un célèbre bol en jade timouride, appartenait à Louis XIV (MR 199) en effet jusqu'à tout récemment presque toutes les pierres précieuses appartenant à Louis XIV étaient attribuées à l'Iran. Ils entrèrent tous au &ldquoMusée Central des Arts&rdquo en 1793.

Les premières acquisitions sont consacrées à la céramique et sont arrangées par Migeon. Les céramiques médiévales persanes ont été acquises par le Musée soit par l'intermédiaire d'un certain nombre de connaisseurs, soit par le biais d'achats directs. En 1893, un grand groupe de carreaux de lustre des périodes Saljuqid et Il-khanid ont été achetés au marchand d'art parisien Mme. Duffeuty, ainsi que les premiers objets métalliques iraniens. D'autres pièces, dont des objets en métal safavide, ont été obtenues en 1895 par l'intermédiaire de W. Schultz (l'auteur de Peinture Miniature Islamique Persane). Plusieurs pièces de céramique iranienne ont été données au musée dans les legs des collectionneurs français Dr Fouquet et Léon Dru, tous deux en 1905. La grande assiette Lajavardina (OA 6456) a été acquise de M. Tabbagh en 1911 et est le seul exemple de ce groupe avec une glaçure turquoise. Au cours des années 1890-1914, la plupart des acquisitions de céramiques étaient de provenance persane, avec un accent particulier sur la période « lquoarchaïque », telle que définie par Maurice Pezard. De nombreuses pièces sont venues des frères Vignier, marchands d'art principalement actifs en Iran, elles ont été données par l'intermédiaire de la Société des Amis du Louvre entre 1914 et 1921. Il s'agissait pour la plupart de céramiques de Saljuq dont le célèbre bol en turquoise moulé épigraphique ( OA 6703), un beau bol blanc pur avec un dessin d'arabesque (OA 7477), le bol de lièvre Abu Ṭālib (OA 7478), un exemple célèbre de la poterie dite Āḡkand (qv) et de belles pièces attribuées en provenance de Zanjān et Āmol (OA 7475, 7480). L'un des bols mina les mieux conservés de la collection (OA 6452) a également été donné par la Société des Amis du Louvre en 1911. Le legs de Georges Marteau (1916) comprenait sa collection de peintures persanes et mogholes, quatre-vingt-onze pièces en tous, dont beaucoup ont été donnés au Musée. Parmi eux trois pages du grand Il-khanid &Scaronāh-nāma (voir &ldquoDEMOTTE&rdquo &ScaronĀH-NĀMA), et de nombreuses pages d'un moraqqaʿ, ou album, sont les éléments les plus remarquables. La plupart des pages du moraqqaʿ sont safavides l'une des pages les plus célèbres de la collection est un dessin teinté de Moḥammadi, l'une des deux seules pages datées de l'artiste (à partir de 1578) une autre page de la collection a été récemment attribuée au même maître (Makariou, 1999) . La collection comprend un beau dessin signé par Siyāvo&scaron et des pages de &Scaronayḵ Moḥammad, Moḥammad ʿAli et Reżā ʿAbbāsi, entre autres.

Après la Première Guerre mondiale, les acquisitions d'objets se sont quelque peu ralenties. Parmi les dons qui agrandissent les collections, les objets iraniens ne sont pas aussi nombreux que dans les années d'avant la Seconde Guerre mondiale. Dans les années 1970, le musée acquiert quelques pièces remarquables : à savoir l'aiguière à bec coq (MAO 442) qui appartenait autrefois à la collection du marchand d'art Acheroff et fut exposée au Pavillon de Marsan, à la célèbre Exposition des arts musulmans de 1903. Elle était un don des Amis du musée du Louvre. Une aiguière lustre ornée de vers persans ainsi que de vers arabes d'Ebn al-Moʿtazz a également été offerte par la Société des Amis du Louvre en 1993 (MAO 897 Makariou, 2002, p. 63). Le célèbre bol mina avec fauconnier à cheval (MAO 440) a été acheté en 1970, enrichissant la collection d'une pièce des plus impressionnantes, qui combine les techniques du minai et du lustre en un seul objet (illustré Bernus-Taylor, p. 53). La même année, la grande aiguière à lustre ornée de dragons (MAO 444) est acquise. C'est un bon exemple de céramique dont la forme imite le travail du métal. En 2003, l'un des trois bols moulés signés par Ḥasan al-Kā&scaronāni a été acquis par le Musée d'une collection privée à Paris.

La plupart des acquisitions avaient porté sur des périodes antérieures, mais dernièrement, le Musée a tenté de combler ses lacunes concernant la céramique postérieure. Une immense assiette bleue et blanche, ornée d'une pivoine, et datable vers 1500, en est un exemple, elle illustre le style de transition entre la fin du Timuride et le début du Safavide (MAO 710). Les céramiques qajar suscitent également plus d'intérêt, et davantage de pièces de céramique safavide ont été acquises par le musée, dont un panneau provenant probablement de la porte construite par Shah Ṭahmāsp dans le sanctuaire d'Ardabil, une porte qui a été détruite au début du 20e siècle (MAO 1189 Makariou, 2002, p.59).

Dans le domaine de la métallurgie, l'essentiel de la collection avait été constitué à la fin du XIXe siècle et au tout début du XXe siècle. En 1893, le Musée acheta une boîte Il-khanide en forme de mausolée, modèle connu seulement à travers trois exemplaires (OA 3355). En 1897, le brûle-encens en forme de faucon (OA 4044) a été acheté à Raoul Duseigneur et l'aiguière du Khorasan, ornée des signes du zodiaque (OA 5548), a été achetée en 1902. Avec un ensemble de céramiques persanes et d'autres objets, le legs de Charles Piet-Lataudrie (1909) a apporté au Musée le grand &ldquoducks chandelier&rdquo (OA 6315), réalisé à partir d'une seule feuille de métal dans un atelier du Khorasan, ainsi que d'autres chefs-d'œuvre de la ferronnerie. Piet-Lataudrie était un collectionneur extraordinaire, principalement intéressé par la ferronnerie et une grande partie de sa collection fut donnée au musée de sa ville natale, Niort (Deux-Ségravevres). En 1916, parmi le legs de Georges Marteau, figurait le grand bougeoir commandé par Timur pour le mausolée d'Aḥmad Yasavi&rsquos et daté de 1396. Des six bougeoirs réalisés pour le mausolée, quatre sont encore à Yasi au Turkestan, un est au musée de l'Ermitage à Saint Pétersbourg et le sixième, incomplet, est au Louvre. D'autres exemples de ferronnerie des Fārs ont été transférés du Musée de Cluny (Musée de Cluny, Paris) au Louvre en 1926, dont des chandeliers et des vasques qui témoignent de l'existence d'une école spécifique de ferronnerie dans le sud de l'Iran. En 1933, Jean David-Weill, conservateur de la collection islamique du Louvre et membre d'une éminente famille de connaisseurs et de collectionneurs fortement liés aux musées français, a offert le célèbre brûle-parfum au lion (AA 19) au Musée.

Au cours des années 1932-1945, la section islamique a été séparée du département des arts décoratifs (département des objets d'art) et intégrée au département des arts asiatiques nouvellement créé. Le nombre d'acquisitions a également diminué régulièrement entre 1932 et 1945. Durant cette période, certains objets métalliques archéologiques sont entrés dans la collection grâce à la mission du sinologue Joseph Hackin en 1933 et d'autres après la mission parrainée par l'industriel français André Citroën en Afghanistan en 1936. Mais dans l'ensemble, très peu d'artefacts iraniens sont entrés dans la collection au cours de ces années. Pendant les mois qui ont précédé le déclenchement de la guerre, l'ensemble de la collection a été emballé sous la direction de J. David-Weill, assisté par le célèbre historien de l'art David Storm Rice (1913-1962), qui était engagé dans des recherches à Paris à le temps.

Après la fin de la guerre, la collection islamique retourne au Louvre et pendant ce temps la collection d'art asiatique donne naissance à un nouveau musée, indépendant du Louvre. L'ouverture du musée Guimet en 1945 marque un nouvel épisode de l'histoire de l'art islamique dans les musées français. La section islamique est désormais subordonnée au département des antiquités orientales du Louvre. La décision s'est appuyée sur le terrain géographique relativement commun et les outils institutionnels en partie communs (à savoir les instituts français au Proche-Orient).

Le principal avantage pour le domaine islamique était le transfert complet du matériel archéologique fouillé par la mission française à Suse. Elle coïncide avec les premières tentatives d'enregistrement des trouvailles des fouilles, bien qu'une partie de ce matériel, sans aucune preuve stratigraphique, ait déjà été publiée en 1928 par Raymond Koechlin (1860-1931 conservateur des Arts décoratifs et collectionneur, ainsi que comme l'un des fondateurs des Amis du musée du Louvre en 1897). Depuis les années 1970, Guillermina Joel s'est engagé à fournir un inventaire complet du matériel. L'inventaire MAO S. (S pour Susa) comprend, au dernier décompte, plus de 2000 pièces (Joel Pârsquoeli Makariou, à paraître).

Les textiles sont clairement un point faible de la collection. Cela s'explique par les liens forts entre le Musée des arts décoratifs&ndash hébergé dans le même bâtiment&ndash et le Musée du Louvre, et plus particulièrement, par les différents domaines couverts par les deux institutions. A l'époque des grandes acquisitions entre les années 1890 et 1920, la notion et l'étude des textiles se limitaient aux arts décoratifs et c'est pourquoi leur acquisition fut confiée au Musée des arts décoratifs et les pièces inscrites furent partagées entre le Louvre et le Musée de Cluny.

C'est dans ce contexte que l'un des textiles les plus célèbres du monde iranien a été acheté. Le "Suaire de Saint-Josse" a été acquis par le Muséum en 1922 auprès du maire de Saint-Josse-sur-Mer (Pas-de-Calais). La soie précieuse avait été réutilisée comme linceul pour les reliques de Saint Josse (mort en 699) elle était arrivée à l'Abbaye de Saint-Josse probablement en 1134 en cadeau d'Etienne de Blois. Il était roi d'Angleterre et son beau-père était le frère de Godefroy de Bouillon et de Baudouin de Jéacuterusalem (l'identification erronée du donateur comme étant le père du roi d'Angleterre a été répétée dans presque toutes les publications (y compris EIr. X, fasc. 2, p. 156). C'est par ce lien familial qu'Etienne de Blois aurait pu obtenir ce textile. Il est cependant difficile de retracer l'histoire de la pièce du Khorasan à la France. L'inscription mentionne Boḵtegin, un émir turc samanide décédé en 961. Son nom est composé de &ldquoTegin,&rdquo &ldquoprince,&rdquo et &ldquoBoḵ&rdquo qui peut être traduit par &ldquocamel.&rdquo Les petits chameaux représentés sur le côté pourraient être une allusion au nom de le propriétaire. Ce textile est un exemple unique de l'art des tisserands samanides du milieu du Xe siècle. D'autres pièces de soie&ndashvelvets ou lampas&ndashqui ont été achetés plus tard, sont presque tous safavides

Les tapis, bien que peu nombreux, ont une certaine importance. La grande pièce safavide connue sous le nom de &ldquotapis de Mantes&rdquo était autrefois étalée sur le sol de l'église paroissiale de Mantes, non loin de Paris. Sa texture velours est en parfait état et ayant été découpée pour épouser le plan d'un autel, elle renseigne sur la manière dont elle était exposée. Il s'agit d'un immense tapis à médaillons aux couleurs vives, et aux décorations vives dont des hommes armés, un indice qui avait initialement conduit à l'attribution de ce tapis au début du XVIIe siècle, bien que la seconde moitié du XVIe siècle semble être un date plus plausible.

Récemment, un effort a été fait pour élargir la collection dans de nouvelles directions. Un intérêt particulier a été porté aux objets bien documentés de collections anciennes : des pages de la collection Louis Gonse, publiées pour la première fois en 1903, ont été achetées en 1990 une page ayant appartenu à Mme. Duffeuty est entré au musée en 1998. Il faisait autrefois partie de l'album de Saint-Pétersbourg et est attribué à Moḥammad Zamān une belle tête en stuc, liée à deux autres pièces à Berlin, que l'on pense provenir d'un palais de Ray (MAO 1226, Makariou, à paraître, 2005), et anciennement dans la collection Jean Soustiel et un moule en pierre de la fin du XIIe siècle, anciennement dans la collection de l'ancien vice-président de la Société des Amis du Louvre, Jacques Schumann. Une importante collection de peintures qadjar a également été acquise, dont certaines appartenant à André Godard (q.v. 1881-1965), l'ancien directeur des services archéologiques d'Iran (legs de 1977). D'autres pages ont été achetées en 1987 et forment au total une collection de 58 pages (New York, 1999).

Le développement de la collection d'art islamique, et notamment des objets iraniens, a bénéficié de divers facteurs. La mission française à Suse a donné au Musée sa collection archéologique de la première période, en particulier la poterie à glaçure étain et la poterie lustre. L'expansion et le développement doivent aussi beaucoup au talent et à l'énergie du conservateur déjà cité au sein du Département des objets d'art, Gaston Migeon. Son excellente relation avec les collectionneurs et les donateurs tels que, par exemple, le marquis Arconati-Visconti et Charles Piet-Lataudrie a contribué à apporter des objets importants au Louvre. Les relations amicales avec l'Iran ont été renforcées par la présence d'André Godard dans ce pays de 1926 à 1960. Après sa mort en 1977, sa femme Yedda a offert l'ensemble de leur collection, 78 céramiques et peintures, et leurs archives au Musée. En 2003, un département indépendant d'art islamique a été créé au musée du Louvre.

Ferronnerie : Assadullah Souren Melikian-Chirvani, &ldquoBronzes et cuivres iraniens du Louvre. I : L&rsquoécole du Fars au XIVe siècle,&rdquo JA, 257, 1969, p. 21-36.

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Idem, &ldquoLes bronzes du Khorâssân,&rdquo Studia Iranica,pt. I, 3/1, 1974, p. 29-50 II, 4/1, 1975, p. 51-71 IV/2, 1976, p. 203-12 V, 6-2, 1977, p. 185-210 Pierres précieuses: D. Alcouffe, Les gemmes de la couronne, Réunion des Musées nationaux, Paris, 2002.

Peinture : G. Marteau et H. Vever, Les miniatures personnelles, Paris, 1913.

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Varia : G. Migeon, L&rsquoOrient musulman, Musée du Louvre, 2 vol., Paris, 1922.

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MUSÉE DU LOUVRE i. ANTIQUITÉS IRANIENS DANS LES COLLECTIONS

En 1793, lors de la création du Musée du Louvre (Musée du Louvre) sous le nom de Musée central des Arts, les antiquités étaient exclusivement représentées par des sculptures grecques et romaines. Les pièces d'or et d'argenterie sassanides (qui n'étaient pas reconnues comme telles) de l'abbaye royale de Saint-Denis avaient été déposées dans la salle des médailles de la Bibliothèque nationale. C'est là, entre autres, que la célèbre coupe de Khosrow II a été conservée. Cette coupe était traditionnellement attribuée à Salomon et aurait été envoyée à Charlemagne ou à Charles le Chauve.

La vraie nature de la civilisation persane antique sera révélée au XIXe siècle grâce aux explorations archéologiques auxquelles le musée du Louvre a participé. Le Département des Antiquités orientales a été créé en 1881 en tant que section distincte des &ldquoAntiques&rdquo en raison de la découverte de l'art sumérien à Tello. L'année suivante, l'ingénieur Marcel Dieulafoy, est envoyé en mission en Perse subventionnée par l'Administration des musées de France, ce qui lui donne l'occasion d'explorer le site de Suse.Deux campagnes de fouilles, en 1885 et 1886, ont permis de localiser le palais que les inscriptions en vieux persan appelaient le Apadana, construit par Darius le Grand ou Darius Ier et restauré par Artaxerxès II au IVe siècle avant notre ère. L'ouvrage ne pouvait se poursuivre au-delà d'un mur orné d'une frise émaillée représentant des lions tombés sur le sol de la cour attenante. Les autres éléments du décor polychrome avaient été démembrés dans l'antiquité et ont été découverts gisant en tas. Après avoir été envoyées en France, les briques s'étaient désagrégées et ont dû être consolidées à grands frais avant de pouvoir assembler les frises. Celles-ci sont immédiatement devenues célèbres en raison de la présence de certaines couleurs perdues ailleurs. Elles étaient exposées au premier étage de la galerie sud de la Colonnade construite sous le règne de Louis XIV. Exposé dans ce cadre, le seul chapiteau réparable, avec son double protomé de taureau au-dessus de l'élément volute, comme à Persépolis. Les deux moitiés de la frise des lions se faisant face la précédaient. Les archers noirs et blancs ont été identifiés comme les Immortels mentionné par Hérodote. Au-dessus de ces frises se trouvaient des merlons sur fond blanc, "montrant qu'il s'agissait d'un décor à ciel ouvert". Dieulafoy mentionne également qu'outre une stèle élamite datant du XIIe siècle av. l'art de l'Elymaïde (Ir. Fourmi. XXXVI 2001 p. 252, ill. 24).

On ne connaissait alors que l'Iran des Mèdes et des Perses, bien que les textes assyriens aient révélé l'importance de l'ancien royaume d'Elam qui les avait précédés. Les antiquités iraniennes atteignaient généralement l'Europe via l'Empire ottoman et, par conséquent, les marchands supposaient qu'elles étaient d'origine arménienne ou anatolienne. Le premier des bronzes du Luristan arrivé au Louvre en 1893 après avoir été acquis à Téhéran, est un curieux &ldquostandard&rdquo constitué d'une ronde de figures dans un anneau (AO 2397). En l'analysant, Léon Alexandre (1831-1922) et Heuzey, grand helléniste, pensèrent que « le mouvement est tel que l'art grec a donné aux Gorgones » et, de ce fait, il le reconnut comme une œuvre de l'époque parthe. Peu de temps après, les premiers &ldquoidols» du Luristan (AO 3075 3086 4720 6267) ont été acquis et ont été considérés comme des &ldquosceptre têtes de style cappadocien,» bien qu'il ait été prudemment noté : &ldquopériode et style à préciser.» Cela a pris encore trente ans.

Des objets remarquables, restés incomparables parmi les collections du Louvre, ont été acquis à la fin du XIXe siècle et, curieusement, ne semblent pas avoir suscité d'enthousiasme particulier. C'était parce que le préjugé concernant la prééminence de l'art grec était fort et que les savants ne connaissaient presque rien de l'art achéménide de la joaillerie. Un expert en objets d'art anciens, Gaston Migeon, ignorait l'existence du "Trésor de l'Oxus", qui avait été acquis par le British Museum peu avant. Il écrivit simplement un bref article en 1902 dans le Revue des Arts, où il publia la célèbre anse de vase en argent doré représentant un bouquetin ailé. Cet objet appartenait à la Collection Tyszkiewicz et serait d'origine arménienne (AO 2748). Son socle en forme de masque de Silène témoignait de l'influence de l'art grec bien assimilé par l'artisan iranien. De plus, un grand rhyton en argent nervuré avec une tête de cerf et une profonde coupe en argent ont été acquis, apparemment d'une tombe à Erzeroum. Leur attribution (AO 3095 et 3094) à l'art persan est confirmée par la similitude du décor de la coupe avec celui du socle de la colonne de Suse retrouvé peu de temps auparavant par Dieulafoy : la référence à l'archéologie de terrain s'avère ainsi déterminante.

A l'époque, les fouilles de Suse sont fortement stimulées par l'initiative de Jacques de Morgan (De Morgan, Jacques) qui parvient, par la voie diplomatique française, à obtenir pour la France le monopole de la recherche "scientifique" sur l'ensemble du territoire de l'Empire perse. L'objectif de Morgan était double : d'abord, révéler les preuves de la civilisation élamite, dont l'importance était indirectement connue par les allusions des Assyriens qui détruisirent Suse en 648 avant notre ère. Deuxièmement, découvrir les « origines » mêmes de la civilisation orientale, que Morgan supposait provenir de Susiana. Par conséquent, le palais de Darius était considéré comme d'« époque basse » et les travaux étaient centrés sur l'Acropole haute de trente-huit mètres. Pour commencer, cependant, il y a eu la découverte surprise d'une série d'exemples impressionnants de civilisation babylonienne apportés comme butin de guerre au XIIe siècle avant JC par un conquérant élamite. Aucune décision immédiate n'a été prise au sujet de ces découvertes mais en 1900, Moẓaffar al-Din Shah a signé un traité spécial accordant à la France (cf. Ainsi, le Louvre devait fonctionner comme le dépositaire d'un ensemble complet de matériel archéologique, ce qui était sans précédent parmi les expéditions archéologiques. L'expédition initiale en 1901 était d'une importance unique, contenant le Code d'Hammourabi, la stèle de la victoire de Naram-Sin et des antiquités élamites telles qu'une grande table en bronze affichant le savoir-faire unique des métallurgistes élamites de l'époque. Ces grands monuments étaient convenablement exposés avec ceux de la Mésopotamie dans une salle assyrienne. Un certain nombre d'entre eux appartenaient également à l'histoire élamite, selon une inscription ajoutée par le conquérant qui les avait amenés à Suse. Il fallait trouver un nouvel espace au Pavillon Tréacutemouille, à l'ouest des vitrines des comptoirs du Louvre. Enfin, contrairement aux habitudes de l'époque, ils durent s'abstenir d'exposer toutes leurs trouvailles. Les Galérie de Delphes, sous la colonnade du XVIIe siècle, était consacrée au matériel archéologique et réservée exclusivement aux archéologues. Cela est devenu ou s'est avéré plus indispensable, car de plus en plus de découvertes ont été faites au cours des années suivantes. L'originalité de l'art élamite est ainsi confirmée, avec l'énorme statue en bronze de la reine Napir-Asu, les fragments de la stèle de son époux royal (réparée plus tard), et l'étonnante ex-voto appelé sîtshamshi, ce qui, assez curieusement, suggère un "lieu élevé cananéen".

Au-dessus du niveau de ces objets, un des rares témoignages de l'occupation achéménide de l'Acropole a été découvert : le tombeau d'un prince, datant du milieu du IVe siècle sur l'évidence des monnaies phéniciennes. Il contenait le seul trésor de bijoux complet et vraiment remarquable qui nous soit parvenu jusqu'à présent. La grande bobine et les bracelets en or avec incrustations colorées, la coupe en argent et les multiples colliers en or, cornaline et agate sont des chefs-d'œuvre, pourtant, pour une raison étrange, méprisés par J. de Morgan. D'après ce dernier, « l'art achéménide, si cet amalgame incohérent, qui fut favorisé à la cour des successeurs de Cyrus » peut en aucun cas être qualifié d'art, n'était qu'un mélange d'assyrien, d'égyptien, de grec, de lycien, de cappadocien et de phrygien. Ces divers éléments étaient souvent associés au pire goût.» (Mémoires de la D&ecutelégation en Perse, VIII 1905, p. 46). Bien que le jugement puisse être erroné, l'analyse était tout à fait juste.

Soucieux de découvrir les origines de Suse, Morgan atteint un sol vierge en 1906 et découvre ainsi la nécropole préhistorique. Celui-ci fit sensation avec ses vases peints richement décorés, dont l'étude fut confiée au grand spécialiste de la céramique grecque, E. Pottier (Mémoires . XIII 1912). J. de Morgan confia le projet à son disciple R. de Mecquenem, qui continua d'explorer et d'élargir les fouilles du palais de Darius, dont Dieulafoy avait seulement reconnu la salle à colonnes appelée le Apādana, qui ressemblait à celui de Persépolis. Ainsi, les niveaux des habitations en brique crue ont été explorés, révélant d'autres éléments du décor en briques émaillées. Cela a nécessité une reconstitution des présentoirs installés au Louvre. Parallèlement, juste après la Première Guerre mondiale, les travaux sont étendus aux autres raconte des vastes agglomérations de Susan appelées &ldquoCité royale&rdquo et &ldquoCité artisanale».» Ainsi, des exemplaires de toutes les périodes de l'histoire élamite furent progressivement envoyés au Louvre et, à partir de 1928, répartis avec le musée de Téhéran selon la nouvelle loi sur les antiquités qui avait été promulguée en Iran sous la dynastie Pahlavi.

Dès lors, l'extension des recherches archéologiques au plateau iranien, conjuguée à l'acquisition d'antiquités éparses, oblige à réorganiser l'ensemble de la présentation des collections. D'une part, l'ouverture de l'Iran à la modernité a inévitablement conduit au désastre des fouilles illicites, jusqu'alors quasiment inconnues. D'autre part, cela a conduit à l'apparition des « bronzes du Luristan », qu'on ne pouvait guère ignorer. Le Louvre en a acquis une modeste série, représentative en principe mais encore difficile à classer. Afin de tenter une approche plus précise de la compréhension de l'histoire archéologique du plateau, une mission du musée du Louvre, conduite par Georges Contenau et Roman Ghirshman, part en 1931-1932 explorer Tepe Giyan, déjà fortement perturbée par chercheurs clandestins. Une instance institutionnelle liée à la recherche archéologique était, dans ce cas, très plébiscitée. Cette fouille fut difficile, mais elle conduisit à établir provisoirement « la succession des céramiques (témoins majeurs des civilisations), dont des semblables étaient connues à Suse, . et à Sumer.&rdquo (M. Rutten, Guide des Antiquités Orientales, 1934, p. 83).

Des fouilleurs clandestins, encore tolérés, ont découvert Tepe Sialk, près de Kashan, beaucoup plus à l'est. Roman Ghirshman a exploré ce nouveau site en 1933, 1934 et 1938. Les deux cimetières proches du grand raconter témoigné de l'immigration des Iraniens à partir de la fin du deuxième millénaire. De très beaux vases peints ou lustré gris de cette époque, déjà dispersés dans les collections, trouvent ainsi leur place relative dans l'histoire. L'exposition au Louvre de tant d'acquisitions appelle une réorganisation radicale. Cela a commencé dans les années trente mais a été interrompu par la Seconde Guerre mondiale. Après la guerre, André Parrot succède à G. Contenau comme conservateur en chef, tandis que ce dernier reste directeur honoraire des fouilles de Suse, confiées à R. Girshman. Les travaux se sont déroulés selon une meilleure méthode jusqu'en 1967, dans le but d'établir la stratigraphie précise des périodes dites « quolate », et enfin élamite, comme l'a immédiatement reconnu R. de Mecquenem. Dans le même temps, la ville royale fondée par Untash Napirisha, i. e. Choḡa Zanbil, avec sa célèbre ziggourat, était en cours d'exploration. Comme les années précédentes, la moitié des objets découverts, à l'exception des pièces uniques restées en Iran, étaient envoyées annuellement au Louvre. Il s'agissait, pour la plupart, de matériel tendant à illustrer l'environnement archéologique des antiquités précédemment recueillies par les premiers fouilleurs. Tout ce matériel devait être réparti dans les salles précédant celles où le vaste décor émaillé du palais de Darius avait été définitivement réinstallé autour de la grande capitale, qui avait également été sorti des anciennes salles du premier étage de la Colonnade.

Entre-temps, un diplomate, J. Coiffard, avait acheté un nombre considérable d'antiquités du Luristan que le Louvre put lui acquérir en 1958. Ainsi, il devint possible d'illustrer les grandes périodes de la civilisation des métallurgistes nomades. Il s'agissait, au départ, des Sumériens et des premiers Babyloniens, et à partir de la fin du deuxième millénaire, des contemporains des Iraniens, qui s'étaient vraisemblablement installés sur les sites stratifiés de Tepe Giyan et Tepe Sialk. Cela a été montré en référence aux fouilles belges dirigées par Louis Vanden Berghe. Les « antiquités orphelines » éparpillées de manière illicite ont ainsi retrouvé leur identité.

Au cours des trente années qui ont précédé la Révolution islamique, les missions étrangères ont été exceptionnellement actives, étendant leur pillage du Luristan aux provinces du nord-est, en particulier à Gilān, riche en cimetières faciles à trouver. A partir de 1955 environ, l'ameublement de ces tombes révéla des aspects nouveaux d'un art qui par leur nouveauté soulevait de nouvelles questions et avait besoin d'un bon érudit pour les démêler. Edith Porada a donné un exemple de classification sérieuse .En 1956, le Louvre acquiert une grande coupe en électrum (AO 20281) dont le décor présente des similitudes avec ceux de la Babylonie kassite et du Mitannien. Le village d'Amlash a temporairement prêté son nom à d'autres exemples de la même civilisation. Le grand collectionneur Mohsen Foroughi a fait don des vases caractéristiques en forme de taureau, dont l'archéologue iranien E. Negahban allait bientôt prouver que Marlik était leur site de référence archéologique.

Parallèlement, les recherches se poursuivent plus à l'est, vers la région limitrophe du Gorgān. C'est ainsi que Jean Deshayes a pu envoyer au Louvre une belle série de vases en céramique lustré gris. Ceux-ci pourraient apparaître comme les ancêtres du vase Marlik, plus récent de plusieurs siècles après leur disparition à la fin de la grande période que l'on peut appeler celle des "échanges inter-iraniens".

L'extension du domaine de recherche au centre de l'Iran, à Kermān et au Sistan, devait atteindre les frontières modernes en Afghanistan où les Soviétiques ont exploré les sites urbanisés de l'âge du bronze, et dans l'ancienne Bactriane. Immédiatement, des voleurs clandestins, totalement tolérés, ont commencé à piller les tombes des cimetières voisins et à en offrir le contenu dans le bazar de Kaboul. V. Sarianidi eut l'astuce de s'y intéresser, afin de compléter les renseignements qu'il avait recueillis de ses propres fouilles. De même, le Louvre l'a fait pour acquérir une modeste série qui servira de référence avant que le matériel ne soit tout dispersé par le commerce international des antiquités. Ce matériau très varié : &ldquobronzes&rdquo (en fait du cuivre arsénié), des vases en albâtre, etc. Ce qui pourrait être acquis du Louvre pourrait conduire à rétablir le réseau d'échange au moment où la loi sur le partage des antiquités découvertes par les missions archéologiques en Iran avait été suspendue.

En conséquence, la série de matériaux archéologiques découverts à Suse par la mission J. Perrot&rsquos est restée en place après le départ de Ghirshman&rsquos. Celles qui étaient auparavant envoyées au Louvre sont devenues l'objet d'un intérêt particulier, du fait de la proximité d'institutions complémentaires : bibliothèques, laboratoires, etc. ,c'est-à-dire dans l'aile nord du &ldquovieux Louvre,» grâce aux donateurs (R. et B. Sackler).

Si Suse, sa vaste plaine s'étendant vers l'est vers la Mésopotamie, peut apparaître marginale dans l'ensemble des hauts plateaux iraniens, son rang de capitale de l'ancien Elam, seule entité historique avant la période persane, s'impose comme une référence majeure pour illustrer l'histoire iranienne. . C'est pourquoi les reliques de sa période de fondation, ou Suse I, à la fin du cinquième millénaire, sont exposées à proximité des sites montagneux les plus anciens. Les premières Susans étaient leurs proches, comme en témoigne l'art strictement stylisé des potiers, mettant en scène le bouquetin avec ses immenses cornes, ainsi que d'autres animaux, comme la panthère.

Cependant, au milieu du IVe millénaire, Suse rejoint le monde antithétique des proto-sumériens d'Uruk, créateurs d'une écriture et d'un art expressif d'une toute nouvelle forme d'humanisme, rompant avec les stylisations courantes dans les sociétés préhistoriques. Cela s'exprime par une petite statuaire très délicate et même humoristique, contrastant avec le répertoire élaboré de sceaux cylindriques apposés sur les documents comptables. L'un de ces sceaux porte l'effigie du potentat que l'on pourrait définir comme le « prêtre-roi », bien connu à Uruk et révélant l'avènement d'une forme archaïque mais incontestable d'un État potentiellement historique. Cette seconde période de l'histoire de Suse s'acheva lorsque les montagnards, venus du Fars actuel, prirent le pouvoir et créèrent, de manière préliminaire, la civilisation spécifique que nous appelons Proto-Élamite ou "Susa III". vie urbaine. D'où un retour au nomadisme, qui défie l'investigation archéologique. Dans le même temps, un réseau d'échanges inter-iraniens était déjà en train de se constituer. Suse, au milieu du troisième millénaire, était une petite ville de type sumérien avec des temples sur son acropole. Ici, les habitants perpétuaient leur présence en tant qu'adorateurs par des statues ressemblant exactement à celles exposées dans les salles mésopotamiennes du Louvre mais sous une forme maladroite et stylisée suggérant souvent le « ldquocubisme ». Les accessoires religieux étaient souvent en résine artificiellement durcie. Il s'agissait principalement de supports d'offrandes, qui affichaient leurs origines élamites brutes. Cet art spécifiquement Susan peut avoir été inspiré par celui des sculpteurs travaillant dans la pierre verte ou noire douce appelée chlorite, qui était également utilisée en dehors d'Elam, dans l'actuelle Kerman. Dans le même temps, les habitants des montagnes du Luristan créèrent une riche métallurgie du bronze primitif, décorant leurs armes de cérémonie de personnages en haut-relief. Un exemple est un petit char de guerre placé sur une masse de bras tubulaires, appartenant à la collection David-Weill. Leurs vases peints ressemblent à ceux des Susans. Ce "style de seconde moitié", tel que défini par les premiers fouilleurs de Suse, était bien différent de celui de l'époque de la fondation de la ville, bien qu'il se rattache à la tradition montagnarde la plus authentique. L'un de ces vases servait de petit trésor ou de "cachette" contenant des ustensiles et des plats en bronze, des vases en albâtre importés de l'est de l'Iran et des sceaux et jetons-cylindres mésopotamiens, témoignant de la survie du système comptable le plus archaïque.Suse apparaît ainsi ainsi située au carrefour des routes reliant les hauts plateaux aux plaines.

Après 2300 av. L'un d'eux rend hommage à son suzerain en lui présentant une statue avec son nom inscrit dessus. Enfin, le prince de Suse, Puzur-Inshushinak, recouvra son indépendance. Il patronne un art officiel, tout en adoptant une écriture linéaire adaptée à sa langue élamite, ainsi que l'écriture cunéiforme enregistrant celle de ses sujets sémitiques akkadiens. Ainsi, la dualité ethnique s'est clairement exprimée, expliquant l'intégration alternée de Susiana au sein des deux mondes antithétiques et complémentaires de la Mésopotamie et des hauts plateaux "iraniens". La statue de la grande déesse trônant sur des lions, (Sb 54) ayant ainsi été inscrite dans les deux langues, témoigne encore d'une dépendance à l'art caractéristique de la renaissance dite sumérienne, à cette époque contemporaine de la grande Gudea de Lagash. L'ambition de Puzur-Inshushinak était prématurée, car peu de temps après les rois d'Ur, qui construisirent les temples du couple Poliad, Inshushinak &ldquo seigneur de Suse» et Ninhursag dit &ldquoSusienne,» reconquièrent Suse. Le constructeur Shulgi dédia entre autres un marteau orné de têtes d'oiseaux semblables aux haches cérémonielles découvertes jusqu'en Bactriane. Dans l'arrière-pays, les princes élamites vivaient en semi-nomades. Alliant leur dynamisme à la culture littéraire des Susans, ils initient la tradition royale élamite en prenant le titre de "Roi d'An&scaronân et de Suse", et plus tard le titre impérial de Soukkalmah. Leurs sceaux représentaient le dieu-patron d'Elam trônant sur un serpent enroulé et la reine vêtue d'une &ldquocrinoline.» Au début du IIe millénaire, des bronzes devaient être dédiés aux temples et collectés plus tard dans des dépôts funéraires. Dans ces figures variées, l'humanisme sumérien alternait avec l'austérité élamite comme en témoigne l'effigie du dieu assis dans son char avec un serpent décorant sa tiare. Les plats de luxe en mastic bitumineux présentaient des animaux très stylisés en bas et en haut relief.

Des échanges avec des pays lointains ont apporté à Suse des objets égyptiens et levantins d'une part, et des objets d'Inde et d'Oman d'autre part. Parallèlement, la culture élamite rayonne depuis &Scaronāhdād, dans le centre de l'Iran, jusqu'en Bactriane et Margiana. Ceci est illustré par des statues composites de dames vêtues à la mode élamite, des haches de cérémonie très élaborées, un service de table en or et en argent et des sceaux en métal. Cependant, ces civilisations au-delà du royaume jumeau d'Elam ont disparu au XVIIe siècle, en même temps que celle de l'Inde. Pourtant, Suse a continué à être une grande ville qui a même grandi, et dans les tombes familiales voûtées du milieu du deuxième millénaire, Mecquenem et Ghirshman ont trouvé des portraits de morts en terre peinte, d'un réalisme sobre, côte à côte avec de nombreux meubles.

Au XIVe siècle, une nouvelle dynastie sous le roi Untash Napirisha a parrainé un art officiel dans la nouvelle ville avec sa ziggourat au sommet, décorée de tuiles émaillées. Des stèles et statues furent ensuite envoyées à Suse : la statue de la reine Napir-Asu et la table d'offrandes, chefs-d'œuvre en bronze, ainsi que la haute stèle sur laquelle le roi figurait en haut, face à son dieu, tandis que la base était protégés par des entités composées de génies avec des poissons d'une part et d'hommes avec des mouflons d'autre part.

Au XIIe siècle, les conquérants élamites apportèrent à Suse les chefs-d'œuvre de la sculpture babylonienne, l'effigie du roi d'Elam étant remplacée par celle d'un vaincu Kassite sur une stèle (Sb 9). Des effigies royales en briques émaillées vertes et jaunes décoraient un temple, tandis que des souvenirs anciens et contemporains, comme des statuettes en or et en argent, étaient rassemblés dans des tombes probablement royales.

A la même époque, les plats d'or et d'argent de Marlik exposés au Louvre, ainsi que des vases en forme d'animaux, témoignent de la créativité des immigrés de l'âge du fer (sans fer !), qui ont donné leur nom à l'Iran. Quelque temps plus tard, la plupart des montagnards du Luristan revinrent au nomadisme et renouèrent avec la tradition des &ldquobronzes décorés, qui avait cessé au XVIIe siècle, ayant atteint son apogée entre les XIIe et VIIe siècles. La collection du Louvre donne une bonne idée de leur art, qui exprime une culture héritée de la préhistoire avec le thème du "maître des animaux", tout en préparant l'avènement de l'idéologie mazdéenne, comme en témoignent les épingles votives. D'ailleurs, à la même époque, l'ancien royaume d'Elam refleurit, même après la destruction de Suse par Assurbanipal en 648. Les plats émaillés et le décor polychrome d'un temple révélant une grande maîtrise technique, en témoignent. C'est Darius Ier (522-486) ​​qui fit de nouveau de Suse une capitale, sorte de ville jumelle de Persépolis, remplaçant l'An&scaronân désertée. Le syncrétisme qu'il a parrainé dans la conception architecturale ainsi que dans la décoration de son palais est illustré au Louvre par les frises représentant des archers symboliques du peuple perse et du roi soutenant les nations de l'empire, également montré en détail dans le décor de Persépolis . Les animaux empruntés au répertoire assyro-babylonien étaient désormais dépourvus de symbolisme mythologique, mais les lions à tête humaine liés au disque ailé pouvaient avoir une signification astrologique. Les Charte fondatrice du palais, inscrit sur une tablette d'argile et des dalles de pierre, explique l'idéologie impériale de ce décor en présentant l'empire perse comme un havre de paix universel.

Suse a continué à être une grande ville après la conquête d'Alexandre, mais elle a perdu son rang de capitale. Sa population hellénisée attirait d'excellents artistes, comme en témoignent les fragments de belles terres cuites et de sculptures. Ici, nous remarquons comment les rudes peuples des montagnes élymées, qui étaient à peine cultivés, se sont développés en Iraniens superficiellement hellénisés. Un buste royal en bronze et une aiguière en argent doré illustrent la réaction iranienne contre le philhellénisme parthe sous le règne des Sassanides, avec son décor mettant en scène une danseuse nue. Cela rappelle la tradition séculaire des figurines en terre cuite dans l'art populaire.

Pierre Amiet, Élam. Auvers-sur-Oise, 1966.

Id., Suse, 6000 ans d&rsquohistoire, éd. de la Réunion des Musées Nationaux, Paris, 1988.

Idem, &ldquoLa sculpture susienne à l&rsquoépoque de l&rsquoempire parthe.&rdquo Iranica Antiqua XXXVI, 2001, p. 239-91.

Nicole Chevalier (sous la direction de), Une mission en Perse 1897-1912, Réunion des Musées Nationaux, Paris, 1997.

Nicole Chevalier, La Recherche archéologique française au Moyen-Orient, 1842-1947, Éd. Recherche sur les civilisations, Paris, 2002.

P. O. Harper, H. Aruz, F. Tallon, éd., La ville royale de Suse. Trésors antiques du Proche-Orient au Louvre, Metropolitan Museum of Art, New York, 1992.

M. Rutten, Musée du Louvre, Antiquités orientales. Guider, Musées Naionaux, Paris, 1934.


Contenu

Le tapis persan Modifier

L'art du tissage de tapis a ses racines dans la culture et les coutumes de ses habitants et leurs sentiments instinctifs. Les tisserands mélangent des motifs élégants avec une myriade de couleurs. Le tapis iranien est similaire au jardin persan : plein de flores, d'oiseaux et de bêtes.

Les couleurs sont généralement fabriquées à partir de fleurs sauvages et sont riches en couleurs telles que le bordeaux, le bleu marine et des accents d'ivoire. Le proto-tissu est souvent lavé dans du thé pour adoucir la texture, lui conférant une qualité unique. Selon l'endroit où le tapis est fabriqué, les motifs et les conceptions varient. Et certains tapis, tels que Gabbeh et Gelim, présentent également des variations dans leurs textures et leur nombre de nœuds. Sur environ 2 millions d'Iraniens qui travaillent dans le commerce, 1,2 million sont des tisserands produisant la plus grande quantité de tapis artistiques tissés à la main au monde. exporté pour 517 millions de dollars de tapis en 2002. [1]

Le savoir-faire exceptionnel du tissage de ces tapis et textiles de soie a ainsi attiré l'attention de Xuanzang, Jean-Baptiste Tavernier et Jean Chardin.

Peinture et miniature Modifier

L'historien oriental Basil Gray [2] estime que l'Iran (Perse) « possède un art [sic] unique au monde qui est excellent en son genre ».

Les grottes de la province iranienne du Lorestan présentent des images peintes d'animaux et de scènes de chasse. Certains, comme ceux de la province de Fars et de Sialk, ont au moins 5 000 ans.

On pense que la peinture en Iran a atteint son apogée à l'époque de Tamerlan, lorsque des maîtres exceptionnels tels que Kamaleddin Behzad ont donné naissance à un nouveau style de peinture.

Les peintures de la période Qajar sont une combinaison d'influences européennes et d'écoles de peinture miniatures safavides telles que celles introduites par Reza Abbasi. Des maîtres tels que Kamal-ol-molk, ont encore fait avancer l'influence européenne en Iran. C'est à l'époque Qajar que la "peinture du café" est apparue. Les sujets de ce style étaient souvent de nature religieuse, représentant des scènes d'épopées chiites et autres.

Poterie et céramique Modifier

L'éminent archéologue Roman Ghirshman estime que « le goût et le talent de ce peuple [les Iraniens] peuvent être vus à travers les dessins de leurs objets en terre ».

Parmi les milliers de sites archéologiques et de ruines historiques d'Iran, presque tous ont été remplis, à un moment donné, de faïence d'une qualité exceptionnelle. Des milliers de navires uniques à eux seuls ont été trouvés sur les sites de Sialk et Jiroft.

Le métier de potier (« kuzeh gar ») occupe une place particulière dans la littérature persane.

Musique Modifier

Au cours de l'histoire enregistrée de l'Iran, une musique distinctive unique s'est développée accompagnée de nombreux instruments de musique, dont plusieurs sont devenus les premiers prototypes de certains instruments de musique modernes d'aujourd'hui.

Les premières références à des musiciens en Iran se trouvent à Suse et à Elam au IIIe millénaire av. Des reliefs, des sculptures et des mosaïques comme ceux de Bishapur datant de l'Antiquité représentent une culture musicale dynamique.

La musique persane sous sa forme contemporaine a vu le jour à l'époque de Naseri, qui a ordonné l'ouverture d'une « Maison de l'artisanat », où tous les maîtres artisans se réuniraient pour concevoir des instruments et pratiquer leur art.

Littérature Modifier

La littérature persane est de loin l'expression la plus solide du génie iranien. S'il existe des œuvres intéressantes en prose, c'est la poésie où la littérature iranienne brille le plus. Fleurissant sur une période de plus d'un millénaire, il fut estimé et imité bien au-delà des confins de la patrie iranienne. La littérature des territoires directs et récemment perdus de l'Iran dans le Caucase (notamment l'Azerbaïdjan), ainsi que la Turquie et indirectement l'empire moghol se sont développées sous son influence.

Conception environnementale Modifier

Architecture Modifier

L'architecture de l'Iran fait partie d'une tradition et d'un héritage persans extrêmement anciens. Comme l'a dit Arthur Pope, "l'impact significatif de l'architecture persane est polyvalent. Pas écrasant mais digne, magnifique et impressionnant".

Jardins persans Modifier

La tradition et le style dans la conception des jardins persans (persan باغ ایرانی) ont influencé la conception des jardins de l'Andalousie à l'Inde et au-delà. Les jardins de l'Alhambra montrent l'influence de la philosophie et du style des jardins du paradis persan dans une échelle de palais mauresque de l'époque d'Al-Andalus en Espagne. Le Taj Mahal est l'une des plus grandes interprétations de jardins persans au monde, datant de l'époque de l'empire moghol en Inde.

Calligraphie Modifier

Dit l'écrivain Will Durant : "Les anciens Iraniens avec un alphabet de 36 lettres, utilisaient des peaux et un stylo pour écrire, au lieu de tablettes de terre". Telle était la créativité consacrée à l'art d'écrire. L'importance de l'art de la calligraphie dans les œuvres de poterie, les récipients métalliques et les bâtiments historiques est telle qu'ils sont considérés comme manquants sans la calligraphie décorative qui l'orne.

Les enluminures, et en particulier le Coran et des ouvrages tels que le Shahnameh, le Divan Hafez, le Golestan, Bostan et al. sont reconnus comme très précieux en raison de leur calligraphie délicate seule. De grandes quantités de ceux-ci sont dispersés et conservés dans des musées et des collections privées du monde entier, tels que le musée de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg et la Freer Gallery of Art de Washington, entre autres. Modes:

Carrelage Modifier

Le carrelage est une caractéristique unique des mosquées bleues de . Autrefois, Kashan (encaisser + un qui signifie littéralement "terre de tuiles") et Tabriz étaient les deux centres célèbres de l'industrie iranienne de la mosaïque et de la tuile.

Cinéma Modifier

Avec 300 récompenses internationales au cours des 25 dernières années, les films iraniens continuent d'être célébrés dans le monde entier. Peu des réalisateurs les plus connus sont Abbas Kiarostami, Mohsen Makhmalbaf et Majid Majidi.

Ferronnerie (Ghalam-zani) Modifier

Les bronzes du Luristan, probablement d'environ 1000-650 avant notre ère, sont un groupe distinctif de petits objets décorés de figures d'animaux et d'humains dans des poses inventives et vigoureuses.

Khatam-kari Modifier

Marqueterie délicate et soignée, réalisée depuis la période safavide : à cette époque, le khatam était si populaire à la cour que les princes apprenaient cette technique au même niveau de la musique ou de la peinture. Aux XVIIIe et XIXe siècles, le katahm décline, avant d'être stimulé sous le règne de Reza Shah, avec la création d'écoles d'artisanat à Téhéran, Ispahan et Chiraz. « Khatam » signifie « incrustation », et « Khatam-kari » (en persan : خاتم‌کاری ‎), « travail d'incrustation ». Cet artisanat consiste en la réalisation de motifs d'incrustations (généralement en forme d'étoile), avec de fins bâtonnets de bois (ébène, teck, ziziphus, orange, rose), laiton (pour les parties dorées), os de chameau (parties blanches). L'ivoire, l'or ou l'argent peuvent également être utilisés pour des objets de collection. Les bâtons sont assemblés en poutres triangulaires, elles-mêmes assemblées et collées dans un ordre strict pour créer un cylindre de 70 cm de diamètre dont la section transversale est le motif principal : une étoile à six branches incluse dans un hexagone. Ces cylindres sont découpés en cylindres plus courts, puis compressés et séchés entre deux plaques de bois, avant d'être tranchés une dernière fois, en tranches de 1 mm de large. Ces sections sont prêtes à être plaquées et collées sur l'objet à décorer, avant finition de laque. La tranche peut également être ramollie par chauffage afin d'envelopper les objets. De nombreux objets peuvent être décorés de cette manière, tels que : des boîtes à bijoux/décoratives, des échiquiers, des cadres, des pipes, des bureaux, des cadres ou certains instruments de musique. Khatam peut être utilisé sur des miniatures persanes, réalisant ainsi une véritable œuvre d'art.

Issu de techniques importées de Chine et améliorées par le savoir-faire persan, cet artisanat existe depuis plus de 700 ans et est toujours vivace à Shiraz et Ispahan.

Mina-kari Modifier

Le travail de l'émail et la décoration des métaux avec des couches colorées et cuites au four est l'un des cours d'art distingués d'Ispahan. Mina, est défini comme une sorte de couche de couleur vitreuse qui peut être stabilisée par la chaleur sur différents métaux, en particulier le cuivre. Bien que ce cours soit d'une utilisation abondante dans l'industrie pour la production de plats en métal et hygiéniques, il a été très prisé par les peintres, les orfèvres et les graveurs sur métal depuis longtemps.

Dans le monde, il est classé en trois types comme ci-dessous :

Quoi de plus disponible à Ispahan, c'est la peinture émaillée dont quelques-uns sont restés dans les musées d'Iran et à l'étranger, indiquant que les artistes iraniens se sont intéressés à cet art et l'ont utilisé dans leurs ouvrages en métal depuis les dynasties achéménienne et sassanide. Les émaux étant si délicats, il ne nous en reste plus beaucoup de l'Antiquité. Certains documents indiquent que tout au long de la civilisation islamique et pendant les dynasties seldjoukide, safavide et zand, il y a eu des plats et des matériaux émaillés exceptionnels. La plupart des plats émaillés liés au passé appartiennent à la dynastie Qajar entre les années 1810-1890 après JC. Il est également resté quelques boucles d'oreilles. Des bracelets, des boîtes, des têtes de conduites d'eau, des vases et des plats dorés avec de belles peintures aux couleurs bleu et vert de l'époque. Ensuite, cinquante ans de stagnation causée par la Première Guerre mondiale et la révolution sociale ont suivi. Cependant, encore une fois la couleur rouge émail, ayant été préparée, cet art a été favorisé du point de vue quantitatif et qualitatif à travers les tentatives accordées par Ostad Shokrollah Sani'e zadeh, le peintre exceptionnel d'Ispahan en 1935 et jusque-là pendant quarante ans. .

Maintenant, après quelques années de stagnation depuis 1992, cet art a commencé à continuer sa vivacité avec beaucoup d'artistes distingués travaillant dans ce domaine. Pour préparer un plat émaillé, les étapes suivantes sont utilisées. Tout d'abord, choisissez le plat approprié par la taille et la forme nécessaires qui sont généralement fabriqués par un chaudronnier. Ensuite, il est blanchi par un travail d'émail qui est connu comme la première couche. Il est ensuite mis dans un four à sept cent cinquante degrés. A ce stade, le métal émaillé sera recouvert plusieurs fois de meilleurs émaux et réchauffé à nouveau. Le plat est alors prêt à être peint. Les artistes d'Ispahan, s'étant inspirés de leurs plans traditionnels comme l'arabesque, le khataii (fleurs et oiseaux) et utilisant des peintures ignifuges et des pinceaux spéciaux, ont peint des monuments d'Ispahan tels que l'étape, le matériau émaillé est remis dans le four et chauffé à cinq cents degrés. Cela provoque la stabilisation de la peinture émaillée sur la sous-couche, créant un effet "brillant" spécial. La plupart des travaux d'émaillage d'aujourd'hui sont effectués sur des plats, des vases, des boîtes et des cadres de différentes tailles.

Relief et sculpture Modifier

La sculpture en relief a une histoire qui remonte à des milliers d'années, en particulier dans les reliefs rocheux. On trouve encore des reliefs élamites en Iran, Persépolis étant la Mecque des créations en relief de l'antiquité.


Article principal

Architecture

La plus riche collection de ruines achéménides se trouve à Persépolis, en Iran (capitale du premier empire perse). La plus grande structure est un palais connu sous le nom d'Apadana. H59

La caractéristique la plus distinctive de l'architecture persane est la colonne. Bien que calquées sur les colonnes grecques, les colonnes persanes sont plus mince, intensifiant leur sens de la verticalité. Les Perses ont également développé un style unique de Capitale (la section la plus haute d'une colonne), dans laquelle la partie avant d'un animal émerge de chaque côté, ce dessin peut être appelé le capital animal persan . D34

Alors que l'architecture de l'empire achéménide présente poteau-poutre construction (à colonnes), l'empire sassanide préférait arqué construction (voûtée) qui a été adoptée par les Romains. La ruine sassanide la plus célèbre est le palais de Ctesiphon, en Irak (capitale du Second Empire perse). L'influence romaine est évidente dans les compositions murales de colonnes engagées et arcs aveugles. 5

Sculpture

Avec les chapiteaux animaliers, la sculpture persane à grande échelle a survécu principalement sous forme de reliefs, sur les murs des palais et les faces des falaises. Certains sont assez stylisé avec une forte saveur mésopotamienne, tandis que d'autres présentent le saisissant le réalisme de l'Europe classique. H60 En effet, ces deux esthétique contrastée se retrouvent dans toutes les formes de la sculpture persane.

En plus de la sculpture monumentale (dont relativement peu survit), les Perses sont responsables d'un magnifique corps de ferronnerie. Les formes courantes comprennent les statuettes, les rhytons et les bijoux. (Un rhyton est un récipient, comportant généralement un motif animalier, qui sert soit de gobelet, soit de pichet.)


Art et architecture persanes

Bien que des civilisations antérieures soient connues, les premières découvertes archéologiques d'importance artistique sont les superbes céramiques de Suse et de Persépolis (vers 3500 av. Sur les grands gobelets et les grands bols, des motifs symétriques recouvrent les surfaces d'abstractions stylisées d'animaux, en particulier d'oiseaux aquatiques et de bouquetins. Le choix de sujets de la nature, simplifiés en motifs presque méconnaissables, peut être appelé le principe formateur de l'art persan. Une grande partie de l'art iranien du 4e millénaire est fortement influencé par celui de la Mésopotamie. L'art de l'Elam du 3e millénaire, trouvé à Sialk et Suse, suit également les styles mésopotamiens, et cette tendance se poursuit dans l'art moins connu de l'Elam et de l'Urartu du 2e millénaire.

L'art qui vient du Luristan montagneux a suscité beaucoup de controverses. Probablement datés de 1200 – 8211700 av. Le trésor de Ziwiye (Sakiz), un trésor contenant des objets en or, en argent et en ivoire, comprenait quelques pièces du Luristan. Ceux-ci fournissent un lien certain avec l'art des Scythes connu sous le nom de style animalier. Le trésor de Ziwiye est grossièrement divisé en quatre styles : assyrien, scythe, proto-achéménide (avec de fortes influences grecques) et indigène ou provincial. Datée vers 700 av. J.-C., cette remarquable collection d'objets illustre l'hétérogénéité des types et des sources dans l'art iranien primitif.

La période achéménide

Un style unifié émerge à l'époque achéménide (vers 550–8211330 av. J.-C.). Influencés par les Grecs, les Égyptiens et ceux d'autres provinces de l'Empire perse, les Achéménides ont développé un style monumental dans lequel la sculpture en relief est utilisée comme complément aux complexes architecturaux massifs. Les fondations du palais de Cyrus à Pasargades, d'Artaxerxès Ier à Suse, et surtout de vastes vestiges du magnifique complexe palatial de Darius Ier et Xerxès Ier à Persépolis révèlent des plans qui montrent de manière caractéristique de grandes salles d'audience à colonnes. Devant les salles se trouvaient des portiques à colonnades, flanqués de tours carrées et disposés sur de hautes terrasses. Les palais étaient approchés par de doubles volées de marches convergeant vers le haut. Bien qu'il existe des analogies marquées avec l'architecture égyptienne, grecque et assyrienne, le style dans son ensemble et le sentiment d'espace et d'échelle sont distinctifs. Les colonnes persépolitaines sont plus minces et plus étroitement cannelées que celles de la Grèce. Les bases sont hautes, les chapiteaux souvent en cloche sont composés des avants de deux taureaux mis dos à dos ou d'autres animaux au-dessus de volutes ornées de rosaces.

Dans la sculpture, d'une clarté et d'une simplicité ordonnées, la stylisation héraldique se conjugue subtilement à des effets de réalisme. Les bas-reliefs en pierre d'une procession de porteurs d'hommages qui ornent le grand double escalier approchant la salle d'audience de Xerxès I (Persépolis) et le célèbre Frise des Archers (Louvre, du palais de Darius Ier à Suse), exécuté en brique moulée et émaillée, technique d'origine babylono-assyrienne. Le grand soin apporté à chaque détail de pierre se retrouve également dans les rhytons d'or et d'argent (cornes à boire), les bols, les bijoux et autres objets produits par cette culture.

Contributions parthes et sassanides

Après la mort d'Alexandre le Grand (323 av. J.-C.), il y eut des troubles en Iran jusqu'à la montée des Parthes (vers 250 av. J.-C.). Leur art est essentiellement un art brut, synthétisant des motifs hellénistiques avec des formes iraniennes. Les bâtiments en pierre de taille, moellons et briques étaient décorés de têtes sculptées et de peintures murales. La statue en bronze plus grande que nature de Shami d'un souverain est le monument parthe restant le plus remarquable.

La contribution des Sassanides, qui ont régné sur l'Iran de 226 après J. En adaptant et en développant les styles et les techniques précédents, ils ont reconstruit la capitale parthe à Ctesiphon. Là, un grand palais avec une immense voûte en berceau a été construit en moellons et en briques. L'architecture sassanide est décorée de reliefs en pierre sculptée ou en stuc et utilise des mosaïques de pierre colorées. De beaux plats, bols et aiguières en or et en argent, souvent décorés de scènes de chasse ou d'animaux en haut-relief, et des textiles aux motifs héraldiques symétriques subsistent également. Les Sassanides ont enregistré leurs triomphes sur d'immenses reliefs rocheux en plein air dispersés dans tout l'Iran, utilisant souvent les mêmes sites que les Achéménides avaient recouverts de reliefs et d'inscriptions.

En Afghanistan à Bamian Bamian
ou Bamiyan
, ville (1984 est. pop. 52.000), capitale de la province de Bamian, nord de l'Afghanistan, sur la rivière Kunduz. La population est majoritairement Hazara. Ce fut longtemps un important centre caravanier sur la route à travers l'Hindu Kush entre l'Inde et l'Asie centrale.
. Cliquez sur le lien pour plus d'informations. sont des ruines qui montrent le grand impact des formes d'art iranien sur les œuvres du 4e au 8e siècle. Des fresques et des bouddhas colossaux ornent les monastères de Bamian, révélant une fusion d'éléments gréco-bouddhiques et sassano-iraniens.

La venue de l'Islam

Il ne reste que peu de vestiges des premiers siècles de l'islam en Iran, mais l'influence de la Perse sur l'art et l'architecture islamiques Art et architecture islamiques,
œuvres d'art et d'architecture créées dans des pays où l'islam a été dominant et incarnant les préceptes musulmans dans ses thèmes. Fond

Au siècle après la mort (A.D.
. Cliquez sur le lien pour plus d'informations. en Syrie et en Palestine est très forte. Une innovation importante par les Perses est l'élévation d'un dôme sur une salle carrée au moyen de trompes pincer,
en architecture, pièce de construction servant à combler les angles supérieurs d'une pièce carrée de manière à former une base propre à recevoir une coupole octogonale ou sphérique.
. Cliquez sur le lien pour plus d'informations. . Leur utilisation de la décoration en stuc découpé, de divers motifs complexes et d'une symétrie toujours apparente a également eu une influence.

Le premier monument islamique important existant en Iran est le mausolée d'Ismail le Samanide à Boukhara. Daté de 907, il s'agit d'un solide édifice carré de style brique taillée, couvert d'une coupole. Au cours de cette première période, la céramique a été élevée au rang d'art majeur. Les plus beaux étaient les « articles de calligraphie » de Nishapur et de Samarkand. La tour funéraire en forme d'étoile de Qabus (1006) présente une forme à l'influence considérable. La poterie et la ferronnerie se sont développées sous les Turcs seldjoukides aux 11e et 12e siècles. Des céramiques lustrées et "minai", utilisant des couleurs d'émail sur glaçure, y compris une dorure à la feuille et des scènes complexes de la vie de cour, ont été produites à Rayy, Kashan et ailleurs.

Les périodes mongole et timouride

Les invasions mongoles de la première moitié du XIIIe siècle. détruit de nombreuses villes et beaucoup d'art. Nous savons peu de choses sur la peinture persane jusqu'à l'école dite mongole du XIVe siècle. L'œuvre la plus célèbre de cette période est la magnifique Demotte Shah Namah (L'histoire des rois). Le livre a été divisé et de nombreuses feuilles se trouvent dans des collections américaines. Les images sont grandes, de couleur sombre, libres et vivantes dans leur exécution, le paysage jouant un rôle important. Petit Shah Namah avoir des illustrations simples en jaune, rouge, bleu et or.

Timuride Timourides
, dynastie fondée par Timur (ou Tamerlan). Après la mort de Timur (1405), il y eut une lutte pour le pouvoir sur son empire, qui s'étendait alors de l'Euphrate aux fleuves Jaxartes (Syr Darya) et Indus.
. Cliquez sur le lien pour plus d'informations. peinture du XVe siècle. emploie des figures plus petites et des compositions plus statiques. Les influences chinoises ont été intégrées et la symétrie à motifs réapparaît. Bihzad, le plus grand peintre dans ce style, est réputé pour sa ligne fine et ferme et sa délicatesse exquise. La Mosquée Bleue de Tabriz, du nom de son brillant boîtier en faïence, est contemporaine. L'architecture recouverte de faïence en mosaïque a atteint son apogée au XVIe siècle à Ispahan dans le grand complexe de bâtiments Maidan-i Shah.

La dynastie safavide

Sous les Safavides safavide
, dynastie iranienne (1499�), qui a établi l'islam chiite en Iran comme religion d'État officielle. L'État safavide a fourni à la fois les fondements territoriaux et sociétaux de l'Iran moderne.
. Cliquez sur le lien pour plus d'informations. Les palais de la dynastie (1499–82111722) étaient décorés de peintures murales, qui ont été fortement restaurées. Des portraits à un seul personnage et des dessins à l'encre ont également été réalisés pour les Safavides. Dans les illustrations de livres, les figures devenaient sinueuses, les couleurs et les motifs se déchaînaient et, au mieux, l'effet était celui de bijoux ornés. Un chef-d'œuvre de l'illumination safavide était le Shah Namah de Shah Tamasp, qui incorpore les plus grands développements de la peinture du début des années 1520 au milieu des années 1530 (publié en fac-similé comme Le livre des rois du roi, 1972).

Développements ultérieurs

Au XVIIe siècle, l'art persan tomba sous les influences européennes et indiennes et dégénéra rapidement. Sous la dynastie Qajar (1779–82111925), un style théâtral distinctif s'est développé dans l'architecture, la peinture et les arts décoratifs. Le style dit néo-achéménide, qui caractérise les bâtiments publics de Téhéran moderne, témoigne d'un effort conscient pour faire revivre et intégrer l'héritage antique dans l'Iran moderne.

Bibliographie

Voir D. Schmandt-Besserat, Perse antique : l'art d'un empire (1980).


Nouvelles galeries d'art islamique au Louvre

Paris: L'année dernière, nous avons publié une série d'articles de blog sur la nouvelle aile islamique du Metropolitan Museum of Art de New York. 2012 a aussi été l'année d'une autre ouverture importante dans le monde de l'art islamique : Islam, au Louvre à Paris.

Directrice de l'art islamique, Sophie Makariou explique que le titre a été choisi pour incorporer l'étendue du monde islamique à travers les siècles, de l'Espagne à l'Inde, L'empire de l'Islam, comme on l'appelait. Islam met en évidence la valeur culturelle de ces œuvres et leur contribution historique couvrant 1 300 ans et trois continents.

Structure Bellini
Crédit image : nytimes.com

Comprenant 18 000 objets datant du VIIe au XIXe siècle, la galerie explore l'étendue et la créativité de la civilisation et constitue la plus grande collection d'art islamique d'Europe. La collection est logée sous une structure ondulée faite d'aluminium et de verre dans la cour Visconti du Louvre, l'ajout architectural le plus important au musée depuis les pyramides de verre d'IM Pei de 1989. Le projet, par les architectes italiens Mario Bellini et Rudy Ricciotti, a pris six ans compléter. Modelé sur un foulard en soie, la structure semble flotter dans les airs entre les bâtiments néoclassiques. En entrant dans la galerie, on a la sensation immédiate d'être sous une tente, la lumière affluant de toutes parts.

La collection s'ouvre sur une introduction au monde islamique, commençant par l'exil du Prophète en 632 (Hégire en arabe) et la conquête ultérieure de la Perse, de Byzance et au-delà. La première période de l'Islam est représentée par le verre, le métal et la céramique.

Vitrines de timbres en verre, Egypte, 700

La galerie se concentre sur les subtilités des textes décoratifs sur les objets religieux et profanes et ses diverses influences. L'écriture arabe est antérieure à l'Islam d'un siècle. Ensuite, différentes formes d'écriture, l'écriture coranique et profane ont été utilisées pour orner des pièces, décrire leur fonction ou offrir une protection à un objet. L'incorporation ultérieure du persan, une langue indo-européenne, a développé davantage l'utilisation de textes décoratifs et de nombreux objets contenant de la poésie persane sont exposés. En savoir plus sur la calligraphie décorative ici.

Un escalier métallique élégant et industriel mène au rez-de-chaussée inférieur. De grandes mosaïques turques vous accueillent en bas. Ils ont été retrouvés par une équipe d'archéologues franco-américains dans les années 1930 à Antioche (Antakya), autrefois capitale de la Syrie, dans le quartier résidentiel de Daphné. Une tradition romaine, la fabrication de mosaïques s'est répandue dans tout l'Empire romain et a ensuite été utilisée par les civilisations suivantes à des fins religieuses, publiques et privées.

Mosaïque Phoenix, Antakya, VIe siècle

Cette mosaïque particulière représente un phénix, un oiseau mythique qui renaît de ses cendres, bordé de paires de têtes de bélier. Il a été découvert en 1936 presque entièrement intact. La sculpture classique grecque et romaine se trouve dans deux petites salles au-dessus des mosaïques. Des statues de dieux grecs et romains y sont logées, souvenir d'une civilisation antérieure qui avait occupé des parties de la région couvertes dans le reste des galeries.

Sculpture en marbre de déesse, Artémis, Akshehir, Turquie, 2e siècle

Il y a de grandes vitrines de textiles égyptiens datant du 6ème siècle. Ils portent une iconographie romaine et byzantine qui évoqua plus tard des interprétations chrétiennes. Les chérubins cueillant des raisins, jouant des instruments et dansant font référence au dieu romain du vin, Bacchus, tandis que les chrétiens ont interprété ce thème du vin comme une référence à un passage de l'Évangile de Jean dans lequel Jésus est une vigne et Dieu le vigneron.

Cupidon cueillant des raisins
Tapisserie en lin et laine, Egypte, VIe siècle

La conquête islamique de la Perse (633-656) a mis fin à l'empire sassanide. L'Iran est devenu une partie de l'Empire islamique et de nombreux objets de la galerie sont associés au mélange de cultures qui s'en est suivi.

Coffret incrusté d'argent et d'or, Iran, XIVe siècle
Crédit image : Hughes Dubois/Musée du Louvre

L'empire islamique s'étendit à l'ouest jusqu'en Espagne et à l'est jusqu'en Inde. Au 16 e siècle, le monde islamique représentait 30% de la population mondiale.

Pyxis en ivoire sculpté d'al-Mughira, Cordoue, v. 968
Crédit image : Hughes Dubois/Musée du Louvre

Portes en bois incrustées d'ébène et d'ivoire, Égypte v. 1380-1420

Une vaste collection de l'empire moghol (environ 1526-1858) comprend des armures complexes, des poignards élaborés, des carreaux de céramique et des tapis indiens. La plupart des tapis ont été fabriqués dans des usines fondées par l'empereur Akbar (1556-1605) à Fatehpur Sikri, capitale de l'empire moghol pendant seulement 10 ans environ. Pour en savoir plus sur les tapis, cliquez ici.

Galeries islamiques du Louvre
Crédit image : Philippe Ruault/Musée du Louvre

Dague en jade avec manche en tête de cheval incrusté de rubis, d'émeraudes et d'or, Moghol
Epoque, 17ème Siècle
Crédit image : http://www.bbc.co.uk

L'Empire ottoman (XIVe-XXe siècle) s'étendait des Balkans et de l'Anatolie, autour du bassin méditerranéen et jusqu'au Maroc. Des tapis ottomans sont exposés, ainsi que des céramiques d'Iznik à grande et petite échelle.

Mur de céramique ottoman, Turquie, v. 1560–80
Crédit image : Raphaël Chipault / Musée du Louvre

Le financement de la galerie de 98 millions d'euros a été assuré par le gouvernement français et soutenu par des dotations d'Arabie saoudite, du Maroc, du Koweït, d'Oman et d'Azerbaïdjan. Sur les 18 000 objets de la collection, 3 000 sont actuellement exposés et 300 objets déménageront au Louvre Abu Dhabi en 2017.

La collaboratrice invitée Saranna Biel-Cohen vit et travaille à Londres. Elle est titulaire d'une maîtrise en histoire de l'art de l'University College London avec une spécialisation en art indien moderne.


L'EMPIRE DES ROSE

Le musée du Louvre-Lens est fier de présenter la toute première rétrospective en Europe continentale consacrée à l'art magnifique de la dynastie Qajar, les glorieux souverains qui ont régné sur l'Iran de 1786 à 1925. Cette période est l'une des plus fascinantes de l'histoire de le pays, celui dans lequel il a embrassé l'innovation et modernisation tout en cherchant à conserver son identité. L'art original et surprenant créé au cours de cette période était particulièrement riche et abondant, poussé en partie par des artistes de cour exceptionnellement talentueux. Ces derniers sont l'objet de cette exposition, qui présente plus de 400 œuvres, dont beaucoup apparaissent ici pour la première temps n'importe où dans le monde. Ils proviennent d'un large éventail de collections privées et d'institutions célèbres d'Europe, d'Amérique du Nord et du Moyen-Orient. L'exposition bénéficie également de prêts exceptionnels de grands musées iraniens. Cet aperçu complet de l'art qajar rassemble des peintures, des dessins, des bijoux, des émaux, des tapis, des vêtements, des photographies et des armes de cérémonie, le tout mis en valeur par le design immersif et vibrant de Christian Lacroix.

Iran Qajar : une histoire riche mais méconnue

Alors que les historiens ont étudié les civilisations anciennes qui prospéraient autrefois dans cette région trois fois plus grande que la France, très peu se sont penchés sur les XVIIIe et XIXe siècles, et ce n'est que récemment que cette période a reçu l'attention qu'elle mérite de la part des spécialistes de l'art islamique, après la toute première rétrospective en 1998 consacrée à la peinture Qajar. En tant que période de transition clé, il reste un point de référence majeur pour les artistes iraniens contemporains qui travaillent aujourd'hui.

En 1786, Agha Muhammad, général d'armée, eunuque et chef de tribu, s'empare du pouvoir et s'installe dans une petite ville dont il fait sa capitale : Téhéran.
Après son assassinat en 1797, son neveu Fath Ali Shah monta sur le trône. La dynastie Qajar est née, et avec elle a commencé un 19ème siècle de grands bouleversements tant sur le plan politique qu'artistique. Il y avait sept dirigeants Qajar au total, le dernier étant Ahmad Shah. Il a été déposé en 1925 par Reza Khan, qui a ensuite fondé la dynastie Pahlavi.

Durant cette période extraordinaire, le développement artistique des pièces destinées à la cour se concentre sur les techniques traditionnelles comme la peinture, la verrerie et la métallurgie, élevant ces domaines à un nouveau niveau d'excellence. Les souverains Qajar eux-mêmes étaient des experts en dessin et en calligraphie. Dans le même temps, de nouvelles techniques font leur apparition, dont la photographie, qui a joué un rôle central après son introduction dans les années 1840. Alors que les grands thèmes iconographiques perdurent, les styles utilisés pour les représenter ont considérablement changé et ont eu un impact profond sur l'art iranien.

Présentation de l'exposition

La partie introductive de l'exposition permet aux visiteurs de suivre les traces de nombreux voyageurs européens, notamment le peintre Jules Laurens et l'architecte Pascal Coste. Tous deux ont publié des livres tirés de leurs voyages en Perse, faisant la promotion d'un intérêt européen croissant pour l'art et l'architecture de l'Iran au XIXe siècle. Cette introduction présente côte à côte les dessins, relevés, peintures et œuvres de ces deux grands voyageurs.

La deuxième section ore un aperçu culturel de la période Qajar. Après avoir traversé une galerie de portraits mettant en scène les différents souverains, le visiteur est invité à réfléchir sur les liens étroits que la dynastie a entretenus avec ses homologues européens dès le début du siècle. Comme en Europe, la redécouverte de l'histoire de la nation a semé les germes de la naissance du nationalisme, tandis que la société iranienne a été profondément touchée par une série de mouvements religieux entremêlés de désaccords politiques.

La troisième section examine les arts de cour et comment ils se sont codifiés selon une esthétique propre à la dynastie Qajar.. En tant qu'artistes eux-mêmes, les Shahs étaient conscients de l'importance de la production artistique d'un point de vue politique. Exploitant habilement leur propre image, ils ont créé un nouveau décor pour leur pouvoir parfois fragile, en établissant une cour luxueuse et sophistiquée et en redessinant son architecture. Des panneaux de céramique, de vastes peintures à l'huile, des tapis, des bijoux, des vêtements et des instruments de musique ont tous joué un rôle dans le façonnage de cette image.

La dernière section présente les artistes, l'évolution de leur statut au cours du siècle et leurs rencontres avec la modernité. Ce faisant, il met en lumière les artistes de l'époque et les grands thèmes explorés dans la peinture, la poterie et le travail du métal. La recherche de l'excellence par les artistes à partir de techniques traditionnelles et d'une modernité iranienne qui se conjugue avec la
besoins des Shahs, ils étaient fascinés par les innovations européennes telles que
la photographie et la lithographie, qui vont révolutionner l'art iranien. Cette dernière section de l'exposition est rythmée par des œuvres exceptionnelles comme un énorme lustre en cristal de Baccarat.

Scénographie de Mr Christian Lacroix

Passionné d'histoire de l'art lui-même, le designer Christian Lacroix a façonné l'expositions une promenade dans les salles d'un opulent palais qajar.

Les visiteurs entrent dans la galerie par une porte monumentale inspiré de la triple arcade représentée dans les Ruines du palais d'Ashra , un tableau du XIXe siècle de Jules Laurens prêté par la Bibliothèque Inguimbertine de Carpentras. Immédiatement, les visiteurs sont accueillis par un splendide costume de théâtre créé par Christian Lacroix en 2001 pour le ballet de Bianca Li Shéhérazade à l'Opéra de Paris.
Au sein de la galerie d'exposition, la succession de pièces s'inspire de la somptueuse résidence construite par Fath Ali Shah à Sulaymaniyah, dont les plans - aujourd'hui conservés à la Bibliothèque municipale de l'Alcazar à Marseille - ont été dessinés en 1840 par l'architecte Pascal Coste .

Les salles sont ainsi regroupées en quatre unités architecturales qui correspondent aux quatre sections principales de l'exposition, séparées par des allées. Chaque unité peut être identifiée par différentes nuances d'une certaine couleur, caractéristiques à la fois de l'art qajar et de l'univers de Christian Lacroix : bleu, rouge, vert et jaune. Murs tendus de soie et passerelles recouvertes de tapis créés par le designer rappellent la somptuosité des textiles iraniens. En revanche, les chaises de style Napoléon III prêtées par le Mobilier national et les vitrines du début du XXe siècle rappellent aux visiteurs que les derniers souverains qajar ont été influencés par l'art du Second Empire.

Programme culturel

Parallèlement à l'exposition, le musée organise une série de événements et conférences animés à La Scène, l'auditorium du lieu. Le programme explore les mythes fondateurs de l'Iran, rappelle la découverte du pays par des artistes européens au XIXe siècle et met en valeur l'art iranien contemporain. Il fait voyager les visiteurs des récits initiatiques médiévaux (La Conférence des Oiseaux) aux percussions de la Ensemble Chemirani via les Mélodies persanes de Saint-Saëns et le lms de Abbas Kiarostami et Marjane Satrapi. Un évènement
à ne pas manquer, le banquet littéraire et le bal costumé, un voyage festif et décalé dans le temps en Iran Qajar.
L'auditorium du Centre de ressources, quant à lui, accueillera une colloque international passant en revue les recherches actuelles sur l'art de la dynastie Qajar.

Dans le cadre de la convention 2016-19 entre l'ICHHTO et le musée du Louvre, l'exposition Le musée du Louvre à Téhéran. Trésors des collections nationales françaises sera présenté au Musée national d'Iran, du 5 mars au 3 juin 2018.

Conservateur: Gwenaëlle Fellinger, Conservateur principal, département des Arts de l'Islam au Musée du Louvre.
Conservateur associé : Hana Chidiac, responsable des collections Maghreb et Proche-Orient au musée du quai Branly – Jacques Chirac.

L'exposition, ainsi que le colloque qui l'accompagne, a bénéficié du généreux soutien du Fonds Elahé Omidyar Mir-Djalali, créé par l'Institut du patrimoine culturel de Roshan, dans le cadre du Fonds de dotation du Louvre.
L'exposition a été rendue possible grâce au soutien particulier de la Fondation Crédit Mutuel Nord Europe et de la Fondation Total. Lelièvre Paris a également soutenu l'exposition en fournissant des soieries d'ameublement remarquables.


Perse et art persan au Louvre - Histoire

Le musée du Louvre accueillera des expositions sur les époques safavide et achéménide de l'ancienne Perse en 2007, 2008.

Téhéran, 26 octobre 2005 - En attribuant un espace de 1200 mètres carrés aux expositions, le Louvre présentera en 2007/2008 des artefacts persans datant des époques achéménide et safavide.

Comme annoncé par le directeur du Musée national d'Iran, Mohammad Reza Kargar, à l'issue de son voyage à Paris, le Louvre consacrera pendant deux années consécutives l'espace de ses expositions temporaires à l'art et à la culture persane.

L'héritage safavide contribuera à constituer la première exposition temporaire d'histoire persane au Louvre après la Révolution islamique de 1977. Puis, en 2008, des œuvres de l'empire achéménide seront exposées au Musée.

En échange des artefacts persans qui seront exposés au Louvre, des œuvres françaises devraient voyager en Iran.

L'idée d'avoir une exposition persane au Louvre a été allumée chez le directeur et président du musée, Henry Loyrette, après sa visite en Iran il y a 2 ans, quand il a été émerveillé par la beauté et la grandeur des peintures et autres œuvres d'art de l'époque safavide. .

La collection permanente du Louvre sur l'Empire achéménide est l'une des plus complètes de l'époque après celles des musées iraniens et aujourd'hui, le Musée a hâte de mettre en place une exposition temporaire unique sur l'Empire et ses terres occupées en rassemblant des œuvres de musées du monde entier. .


Voir la vidéo: Kempeleen kissanäyttely 2015, Pohjoisen Rotukissayhdistys ry. (Août 2022).